Elphège

Gutai: "Splendid Playground" au Guggenheim du 25 février au 8 mai 2013

Très belle exposition sur l'avant-garde japonaise des années 60 et le mouvement Gutai.

Né en 1954 (et actif jusqu'en 1972), sous la houlette de l'artiste Yoshihara Jiro, Gutai a compté jusqu'à 59 membres. Les artistes du mouvement ont voulu redonner ses lettres de noblesse à la matière. Admirateurs d'artistes occidentaux comme Tapiès, Mathieu ou Pollock les Gutai sont allés au-delà de l'abstraction. En mêlant l'esprit et la matière les Gutai découvrirent de nouveaux espaces abstraits, jusque là inconnus. Ils piétinaient la peinture, la faisaient exploser lors d'expériences dignes d'un Nobel de chimie, utilisaient des filets à moustiques, des plaques de métal, bref tout ce qui leur passait sous la main. Alors que le dadaïsme auquel Gutai a souvent été comparé, balayait les conventions intellectuelles et déconstruisait le langage,  Gutai quant à lui, représentait le produit qui naissait de ces frontières sans cesse repoussées. Perso j'adore et cela change des trucs conceptuels auquel on n'y comprend rien (ou qu'on fait semblant de comprendre quand on a du pognon).

 

Pour celles et ceux qui veulent en voir encore d'autres, Gutai était très bien représenté à la New City Art Fair de New York. C'est ici

 

Gutai: "Splendid Playground"

Motonoga Sadamas "Work" 1960. Probablement l'artiste qui m'a le plus marqué. On est littéralement aspiré par la matière et la couleur.	Tanaka Atsuko "Electric dress" 1956. Pièce iconique de l'artiste qui ne manquait pas de recevoir quelques décharges éléctriques lorsqu'elle la portait. Inspiré de l'environnement urbain japonais, n'oubliez pas que ce travail date d'il y a près de 60 ans! (La 2ème photo n'est pas de moi)		Tanaka Atsuko "Work" 1965. Dans prolongement de sa robe électrique, le vocabulaire d'Atsuko est composé de lignes et de cercles.

Nasaka Yûko (un vrai prénom de Princesse) "Work" 1960. Une vision déshumanisée du "miracle japonais": l'artiste utilise des sets de tables faits mains et les enduits de peinture issue de l'industrie automobile.	Yohihara Jiro "Circle" 1971. Quand l'esthétisme du cercle et sa force philosophique deviennent un objet minimaliste représentant zéro.	Kanno Seiko "From Alpha To Omega" 1970	Onoda Minoru "Work" 1966.
Matsutani Takesada Work" 1966 et "White circle "1967	J'ai paumé les références, help please.	Yoshihara Michio (le fils de Jiro, le fondateur de Gutai) "Work" 1959	Shiraga Kazuo "Wild Boar Hunting II" L'artiste a peint cette toile avec les pieds (au sens propre) en piétinant une peau d'ours. Les balles (celles du fusil bien sûr) sont incluses dans la peinture. (Et pardon si la photo est de mauvaise qualité)
Et parce qu'on ne s'en lasse pas cette magnifique installation de Motonaga Sadamasa, "Work" (Water) 1956

La Cranford Collection: "Out Of The House" (Cuidad du 9 février au 16 juin 2013)

C'est la première exposition publique de la Cranford Collection. C'est une des plus importantes collections européennes. A Cuidad, au siège de la Banco Santander, ce sont 92 œuvres de 26 artistes qui sont exposées. Ici que des anglais et des allemands (travaux des mid-80's à aujourd'hui). Je n'ai pas tout aimé mais j'ai eu un faible pour le néon de Pierre Huygue, les 2 installations de Damien Hirst et l'énorme pierre d'Anish Kapoor. 

 

La Cranford Collection

Pierre Huygue "I Do Not Own Snow White" 2008. C'est une pièce qui m'a touchée par son esthétisme mais aussi parce que je me suis aperçu que c'était vrai. Ma Princesse est japonaise, je n'ai que trois nains (et encore ils jouent souvent le même rôle), des pommes, je peux en avoir autant que je veux, et oui!, une sorcière, elle se reconnaîtra, enfin bref, Blanche-Neige ne m'appartient pas, je confirme. Voici le commentaire de l'artiste au sujet de cette oeuvre: "What do people think when they enter the museum and see "I do not own Snow White"? They can relate. Snow White is a character we all share. But you need to play with this culture in order to be part of it. There's a production of symbolic material, and you need to be part of it and use it. When you read the text, you say with your inner voice, "I myself do not own Snow White...but I know how she sings..." You enter into the play of knowing or not knowing if you own the culture. Huyghe, Pierre and Art:21 (Interviewer.) "Celebration Park."

Sigmar Polke "Sans titre" 2007 (idem pour les quatre tableaux)		Pierre Huyghe "This Is Not A Time For Dreaming" 2004

Franz West "Sitzskulptur" 2004	Martin Boyce "Our Love Is Like The Flowers, The Rain The Sea And The Hours" 2002	Bridget Riley "Set Fair" 1990
Sarah Lucas "The Stinker" 2003 ... et ne me demandez pas si je fume après l'amour!	Sarah Lucas "Fuck Destiny" 2000 Un peu du grand n'importe quoi, mais il n'empêche, ça m'a touché.

Phil Collins "They Shoot Horses" 2004. (Attention, ce n'est pas du chanteur de Genesis dont il s'agit, mais du lauréat du prix Turner 2006). C'est une vidéo de 7 heures, projetée simultanément sur 2 murs. 9 palestiniens de Ramallah dansent ce marathon sur des musiques de ces 30 dernières années. C'est, bien sûr, une référence au roman d'Horace McCoy (1935), They Shoot Horses,Don't They [On achève bien les chevaux], et adapté au cinéma par Sidney Pollack en 1969. En réalité on se trémousse naturellement en restant planté devant la vidéo assez marrante de surcroit. Les danseurs passent tour à tour de périodes euphoriques à dépressives et bougent de façon parfois grotesque mais sympathique.

Mona Hatoum "Sprague Chairs (Redundant) 2011	Mona Hatoum "Grater Divide" 2002	Anish Kapoor Sans Titre 1992-1993
Damien Hirst "Love Unparalleled 2001 et détail		Damien Hirst "Salvation / Damnation" 2003
Damien Hirst "Salvation / Damnation" 2003 détails

Damien Hirst "Something Or Nothing" 2004 et détails

	Et pour finir un p'tit foutage de gueule de Rebecca Warren. Non mais pourquoi pas Monsieur Patate tant qu'on y est?

Julio Le Parc au Palais de Tokyo du 27/02 au 13/05 2013

Dans une interview donnée au Figaro, Le Parc (né en Argentine en 1928) expliquait que beaucoup d'oeuvres contemporaines étaient incompréhensibles au spectateur sans de longues (et  j'ajoute souvent fastidieuses) explications. A l'inverse, son travail interagit directement avec le public. A chaque oeuvre on se pose et on observe la lumière qui danse devant nos yeux émerveillés. Qu'on se déplace de quelques centimètres et c'est un nouveau champs visuel qui s'offre à nous. Julio Le Parc est un précurseur de l'art cinétique et de l'OP Art.

Pour ceux qui ne comprenne pas bien la nature ondulatoire de la lumière mise en évidence par les fentes de Young ( et je vous rappelle que )  , alors courrez voir cette expo et qui vous éclairera.

(Si vous voulez le collectionner une oeuvre des années 60 vaut plusieurs centaines de milliers d'euros, et pour un oeuvre récente compter à partir de 10-20 000 euros)

 

Julio Le Parc

Giacometti , les donations. Kunsthaus de Zürich du 27 juillet au 13 février 2013

Bruno, le troisième après Alberto et Diego, est disparu en mars 2012 à 105 ans. Il a souhaité que d'importantes oeuvres familiales rejoignent le Kunsthaus de Zürich. C'est une exposition très riche et qui le sera plus encore lorsque toutes les oeuvres seront regroupées en 2017, après l'ouverture de l'extention du Kunsthaus. Tout le monde connaît au moins une version de "l'homme qui marche" ou de "la forêt". Ce que l'on connaît moins ce sont les tableaux du père, Giovanni, du cousin du père Augusto, et et les peintures d'Alberto. Sont aussi représentées des sculptures de Diego.  En marge de la collection Giacometti, il ne faut surtout pas rater la collection permanente d'art moderne et contemporain d'une très grande qualité (Picasso, Braque, Miro, Léger, Brancusi, Kandinski, Cragg, Cy Tombly, Jeff Wall etc...)

 

Giovani Giacometti (1868 - 1933)

Giovani Giacometti "Diego" 1903 Leg Bruno Giacometti, 2012	Giovani Giacometti "Mutter und Kind" (Anetta und Alberto) 1903 Fondation Alberto Giacometti, don de Bruno et Odette Giacometti 2005	Giovani Giacometti "Winter in Majola" 1910 Vereinigung Zürcher Kunstfreunde, 1978 (Majola est la résidence d'été de la famille au bord du lac de Sils, acquise la même année)	Giovani Giacometti "Bruno" 1913 Leg Bruno Giacometti, 2012

Giovani Giacometti "Diego, lesend" (Diego, lisant) 1924 Leg Bruno Giacometti, 2012 et Giovani Giacometti "Ottilia" 1918 Leg Bruno Giacometti, 2012 (Ottilia est la fille de Giovanni, morte en accouchant en 1937)		Giovani Giacometti "Annetta und Giovani Giacometti" 1902/03 Leg Bruno Giacometti, 2012

 

Alberto Giacometti 1901 - 1966

Alberto Giacometti "Le père de l'artiste" 1932 Kunsthaus Zürich don de l'artiste			Alberto Giacometti "Noza d'argent" 1925 Fondation Alberto Giacometti, don de Bruno Giacometti 2007			Alberto Giacometti "Selbstbildnis" (Autoportrait) 1924 Fondation Alberto Giacometti GS 62

Alberto Giacometti "Projet pour le monument Gabriel Péri", 1946 Leg Bruno Giacometti, 2012. A noter que c'est la première apparition de "l'homme qui marche" dans l'oeuvre de l'artiste.				Alberto Giacometti "Grande tête" 1960 (Gips) Fondation Alberto Giacometti, don de Bruno et Odette Giacometti 2006, GS 329				Alberto Giacometti "Le chien" 1951 Fondation Alberto Giacometti, GS 47				Alberto Giacometti "La forêt" 1950
Alberto Giacometti "Homme qui marche" 1947, "Femme debout" 1948, "Femme debout" 1948. Provenance des trois oeuvres Fondation Alberto Giacometti, GS 30, GS 36 et GS 37				Alberto Giacometti "Le chariot" 1950 Fondation Alberto Giacometti, GS 44				Alberto Giacometti "Homme qui marche sous la pluie" 1948 Fondation Alberto Giacometti, GS 35 (A noter dans le fonds 3 huiles de Cy Tombly -"Goethe in Italy 1978)				Alberto Giacometti au premier plan "La cage" 1950 Fondation Alberto Giacometti, GS 47

"Quatre figurines sur base" Détail				"Quatre figurines sur base" Détail				Alberto Giacometti "Quatre figurines sur base" 1950 Fondation Alberto Giacometti, GS 40				Alberto Giacometti "Femme-cuillère" 1926/27 Fondation Alberto Giacometti, GS 4 (Vous pouvez en voir un autre exemplaire au musée de l'Anonciade à Saint-Tropez)

La collection permanente du musée Rosengart à Lucerne

Si vous passez par la jolie ville de Lucerne (Suisse) allez absolument voir la collection permanente du musée Rosengart. (Le bâtiment de 1924 est l'ancien siège de La Swiss National Bank). Siegfried Rosengart (marchand d'art) et sa fille Angela, ont réuni une des plus belles collections de Picasso et Klee en plus d'oeuvres d'une vingtaine de grands maîtres de l'impressionisme à l'art moderne. C'est un témoignage exceptionnel sur l'amitié qu'ont entretenue  la famille Rosengart et Picasso. Vous y découvrirez 32 tableaux (dont certains très importants) ainsi qu'une centaine de dessins. A voir aussi les nombreuses photos de famille avec tous les artistes qu'ils ont fréquentés. Un étage entier est consacré aux 125 oeuvres de Paul Klee (dessins, aquarelles, huiles). Un univers riche et coloré. Enfin, d'autres oeuvres de très grande qualité parmi les plus grands : Monet, Renoir, Cézane, Bonnard, Chagall, Braque, Léger, Miro, Kandinsky et j'en passe et des meilleurs.

 

La collection permanente du musée Rosengart à Lucerne

Pablo Picasso: Femme au chapeau de paille sur fonds fleuri (Marie-Thérèse) 1938	Pablo Picasso: Le déjeuner sur l'herbe (d'après Manet). Notre-Dame de Vie 1961 - Picasso Museum Donation Rosengart	Paul Klee: Lustwandelndes Mädchen (Strolling girl) 1918	Paul Klee: Der Drache als Machine (The dragon as machine) 1920

Antoni Tàpies ; Tête bras jambes corps du 22 juin au 4 novembre 2012

Pour celles et ceux qui ne connaissent pas encore la Fondation Tapies à Barcelone, c’est un must see. Le lieu a été crée en 1984 par Tapies lui-même afin de promouvoir l’art moderne et contemporain. Il se trouve qu’en ce moment c’est bien de lui dont il s’agit et précisément de son travail des 13 dernières années. Certaines toiles ont été peintes en 2011 peu avant sa disparition le 6 février 2012.

Si  vous en avez marre des aplats de couleurs ou des aquarelles anglaises du 18^ème, vous allez être servis. Comme à son habitude Tapies fait à la matière (« la matérialité de la peinture ») une place essentielle dans son œuvre. La peinture (ou d’autre matériaux comme le latex) est disposée par endroit en couche abondante. Elle est par la suite, grattée, frottée, percée de ces croix récurrentes chez l’artiste, habillée (sur plusieurs toiles des vêtements ou objet divers ont été collés). Bref, une énergie absolument incroyable.

De ces corps ou bouts de corps (mutilés parfois) transpirent les sujets favoris de Tapies, la vie, la mort, la sexualité. Il n’y a pas de doute, les tableaux de Tapies sont vivants et on s’y reconnaît sûrement plus que dans ses sculptures antiques ou de la renaissance italienne où les corps approchent la  perfection. Donc, si vous habitez l’Europe ou le nord de L’Afrique, Barcelone est à 2 ou 3 heures d’avion max, passez-y le weekend, voyez cette expo remarquable, allez aussi à la fondation Miro et au musée Picasso et finissez la journée sur la plage en mangeant quelques tapas en bas du W (ou en haut si vous êtes bien sapés)

 

Tapies

Corps ligoté 2010 Technique mixte et collage sur bois Collection particulière Milan	Jambes 2010 Technique mixte sur bois Collection particulière Barcelone	Amoncellement 2000 Technique mixte et collage sur bois Courtesy of Wadington Custot Galleries, London	Visage 2004 Technique mixte sur toile Collection particulière Barcelone

Tapies

Jambes 2001 Procédé mixte et collage sur bois Courtesy of Galerie Lelong	Jambes 2001 Détail	Série Latex II 1999 Peinture, latex et assemblage sur papier Courtesy of Galeria Miguel Marcos, Barcelona	Corps et croix 2004 Technique mixte sur bois Art Partners Finland Oy/ Hannu Hilden	Triangle et Serpent 2005 Peinture sur bois Courtesy of The Pace Galerie, New York

Tapies

Quatre clous 2003 Peinture, collage et assemblage sur bois Collection particulière Barcelone	Quatre clous 2003 Détail	Composition et corde 1999 Technique mixte et assemblage sur bois Collection particulière	Composition et corde 1999 Détail	Exposition Tapies : vue de la mezzanine

Macba : Rossellini, McBride, Claramunt et d'autres...

		Une petite visite au Macba (Museu d'Art Contemporani de Barcelona) : Un lieu formidable, des expositions d'un intérêt varié.

 

Je retiens trois choses qui m'ont interressées :

Le film de Roberto Rossellini sur l'ouverture du Centre George Pompidou au grand public le 31 janvier 1977 (durée 54 mn, produit par Jacques Grandclaude). Ce film est touchant à plus d'un titre. D'abord c'est le dernier fil du grand cinéaste mort quelques jours après le montage, en juin 1977. Rossellini aurait souhaité retravailler son film mais n'a malheuresement pas eu le temps. Ensuite, c'est une véritable séquence nostalgie. C'était l'année de mes 14 ans, jeans patdef, cols pelle à tarte ou col-roulé en nylon qui faisait des étincelles et dresser les cheveux sur la tête quand on l'enlevait, bref toute un époque. Filmé sans commentaire, un peu à la manière de "Streaptise" l'émission belge, Le fil démarre sur le chantier de Beaubourg pour enchainer sur l'ouverture. Le public, les commentaires, le décor, les oeuvres de l'époque...c'est un bond dans le passé pour ce monument si futuriste de Renzo Piano et Richard Rogers .

Ensuite, une oeuvre assez étonante d'Antoni Tapies (1923-2012) : "Rinzen" - 1993. Cette oeuvre fût réalisée pour le Pavillon Espagnol à la 45 ème Biennale de Venise (en 1993)  et reçu le "Golden Lion". En japonais, "rinzen" signifie "réveil soudain"  ou "illumination". C'est une oeuvre qui défend l'art comme instrument de pensée, et s'errige contre la guerre la violence ou la mort. En tout cas, une oeuvre imposante.

Enfin, Rita McBride choisi des éléments industriels de notre environnement quotidien qu'elle reconstitue en utilisant des matériaux inattendus.Ainsi, la Toyota (1990 - collection du musée d'Art Contemporain de San Diego) est en fibre végétale (du bois quoi). L'autre pièce, en carton, représente la Plaça de les Glories à Barcelone.

Mona Hatoum : "Projeccio" du 22 juin au 24 septembre 2012

Belle exposition d’une quarantaine de pièces (sur les 20 dernières années) de cette artiste d’origine libanaise, lauréate du 3^ème Prix Joan Miró en 2011. L'exposition se déroule à la fondation Joan Miró à Barcelone.  

 

Mona Hatoum

	Undercut (Red) 2008 - collection de l'artiste
	Deep throat 1996 - collection de l'artiste
	Round and round 2007

« Gerhard Richter : Panorama » : 6 juin - 24 septembre 2012

Après Berlin, la restrospective Gerhard Richter est à Paris, au Centre Pompidou.

C'est une exposition majeure sur l'un des peintres majeurs de notre époque. 150 oeuvres retraçant 50 ans de peinture de cet artiste de 80 ans. 50 ans de peinture "seulement" car Richter a redémarré sa carrière de peintre après avoir détruit ses premières oeuvres. Sa première toile "Table" (1962) marque le départ d'une peinture ou l'artiste naviguera constamment entre figuration et abstraction (La table est ici recouverte d'une abstraction).

Les toiles figuratives de Richter reposent aussi bien sur des photos tirées de la presse que des photos d'amateurs. Elles ne cherchent pas à dire plus que ce qu'elles sont pour elles-mêmes. Pareil pour les abstractions que chacun appréhende comme il l'entend. Pas de message intello à la con comme chez certain type d'artiste, suivez mon regard (j'adore ce genre de phrase car cela ne veut pas dire grand chose et chacun saura se sentir visé ou pensera savoir de qui il s'agit).

En tout cas on ne ressort pas de cette expo inchangé. Quels que soient votre goût et vos connaissances de la peinture, vous resentirez au moins une fois le sentiment d'être devant un chef d'oeuvre. Perso, en ressortant je ne savais pas si je devais me ruer à mon atelier pour peindre frénétiquement, transporté par tant d'émotions, ou plutôt ne plus jamais retoucher un pinceau devant la tâche à accomplir. Je réfléchis toujours....

Gerhard Richter

Table 1962 Collection particulière	Mustang Squadrons 1964 Collection particulière	Bombardiers 1963 Städische Galerie Wolfsburg	Chaise de profil 1965 Museum Boijmans van Beuningen	Ema 1966 Museum Ludwig Cologne	Marine (nuageux) 1969 Collection particulière Berlin	Marine (Mer-mer) 1970 Steatliche Museum zu Berlin

Annonciation d'après Titien 1973 Smithsonian Institution	Détail (rouge-bleu) 1970 Collection particulière	Email sur toile 1973 Centre Pompidou	Jaune Vert 1982 Museum Frieder Burda	Peinture abstraite 1983 Musée d'art moderne St Etienne Métropole	Juin 1983 Centre Pompidou	Peinture abstraite 1983 Collection particulière

Peinture abstraite 1992 Collection particulière + détails			Forêts (3) 1990 Collection particulière + détail		Peinture abstraite	Peinture abstraite	Peinture abstraite 1990 Tate

Bougie 1982 Museum Frieder Burda	Crâne Collection particulière	Petite Baigneuse 1994 Collection particulière	Betty 1988 Saint Louis Art Museum	Betty 1977 Collection particulière	Ferme 1999 Collection particulière

MONUMENTA 2012 / DANIEL BUREN 10 mai au 21 juin 2012

Au risque (calculé) de paraître outrageusement politiquement incorrect, j'avoue ne pas savoir si j'aime ou je déteste Buren. Je sais que je dois passer pour un ovni car tout le monde a un avis assez tranché depuis ses fameuses colonnes ("Les deux plateaux" 1985).

L'exposition “Excentrique(s)” peut se visiter en 5 mn ou une heure, c'est selon...et beaucoup plus si vous prennez un peu de temps pour observer les jeunes filles se prendre en photo sur les miroirs circulaires posés au sol (moins interressant au mois de février).

Cela étant, Buren s'adapte à l'espace monumental de la nef du Grand Palais (45 mètres de haut) et son architecture circulaire. Buren dit "qu'il sculpte l'air et donne de la couleur à la lumière". Pas faux et j'ajoute même que son oeuvre me semble intemporel. On pourrait être sur un satelite de la planète Tatooine en 2050 ou prendre un pot au Bal du Moulin de la Galette, Renoir 1876 (je sais c'est dingue).

Enfin j'ai longuement cherché pourquoi Buren avait choisi ces couleurs, bleu, vert, jaune, orange. Alors que je pouvais fièrement affirmer qu'il n'y avait aucun rapport avec la chromodynamique quantique, j'ai lu l'interview de Daniel : "Les couleurs utilisées, au nombre de 4 plus le blanc et le noir, sont les seules qui existent dans les matériaux choisis. elles sont donc ce qu'elles sont et n'ont rien à voir avec un choix esthétique quelquonque de ma part. J'ai donc fait par nécéssité et par obligation". Donc l'artiste s'adapte, j'aime.

 

MONUMENTA 2012 / DANIEL BUREN - Excentrique(s)

Intense Proximité : La Triennale d'art contemporain du 2 avril au 6 août 2012

 

Présentée du 20 avril au 26 août 2012, la troisième édition de La Triennale d'art contemporain (anciennement " La Force de l'Art ") investit les espaces du Palais de Tokyo et de sept lieux associés situés dans Paris et sa proche banlieue : Bétonsalon – Centre d'art et de recherche, le Centre d'art contemporain d'Ivry – le Crédac, Galliera – musée de la Mode de la Ville de Paris, le Grand Palais, les Instants Chavirés, les Laboratoires d'Aubervilliers et le Musée du Louvre. L'étroite collaboration entre ces différentes structures et le Palais de Tokyo est à l'origine d'un espace d'échange et de débat unique en son genre, qui permettra à la manifestation d'envisager, à travers le concept d'Intense Proximité, ce que cela signifie de créer aujourd'hui dans le contexte d'une scène artistique française mondialisée et diversifiée.

Commissaire général : Okwui Enwezor

Commissaires associés : Mélanie Bouteloup, Abdellah Karroum, Émilie Renard, Claire Staebler

Source : Palais de Tokyo et La Triennale

Changement radical par rapport aux éditions précédentes (surnommées par leurs détracteurs "La farce de l'art"), cette nouvelle édition permet de découvrir le Palais de Tokyo comme vous ne l'avez jamais vu. Les sous-sols ont été ouverts au public et les 113 artistes nous dévoilent sculptures, peintures, installations et vidéo dans un ambiance survoltée.

 

La triennale 2012 : les coups de coeur de myFactory.net

Anette Messager Motion Emotion 2009-2011 Marian Goodmann Gallery	Miniature Existence 2009 Collection of Taseneem Salam, Barcelone voir aussi Newman Popiashvili	Barthélémy Togo Le jugement dernier XIV 2012 Courtesy Bandjoun station et Galerie Lelong	Batoul S'himi Le monde sous pression (cocottes-minutes, bouteille de gaz courtesy de l'artiste et soutient de l'institut français	Cécile Beau L'envers; 2012 Courtesy de l'artiste	Chris Ofili Afro Lily lovers 2002-2003 Collection Victoria and waren Miro, Londres

Modigliani, Soutine et l'aventure de Montparnasse du 4 avril au 9 septembre 2012

Jonas Netter est l’un des collectionneurs les plus marquants du XX^e siècle, découvreur de talent, d’autant plus inspiré et génial qu’il fut d’une discrétion absolue pendant toute sa vie au point qu’il est encore aujourd’hui inconnu du grand public.
Pourtant, sans lui, Modigliani n’aurait sans doute jamais existé, ni Soutine, ni Utrillo. Cette exposition va aujourd’hui lui rendre l’hommage qu’il mérite en permettant enfin au public de découvrir un ensemble d’œuvres absolument étourdissant de beauté, principalement de Modigliani.

(...) Valadon et Kisling feront également partie de ces peintres, ainsi que beaucoup d’autres, tous formidables même s’ils n’ont pas forcément eu la même notoriété : Kremègne, Kikoïne, Hayden, Ébiche, Antcher et Fournier.

 

Source : Pinacothèque de Paris

 

János Megyik: The Space of the Image 03/09/2012. - 06/10/2012.

Working in a realm that is defined by the overlapping fields of painting, sculpture and architecture, János Megyik (1938, Szolnok) has built an œuvre that concentrates on modelling the structure of the panel painting. In his experiments the artist proposes a spatiality that is also a distinctive mark of architecture and sculpture. This œuvre exhibition seeks to reveal how in his world the panel painting comes to life as a spatial model and a three-dimensional object. This impressive display, which selects from Megyik’s output from the early 1960s to the present, features drawings, larch stick constructs, photograms, the steel plates of the latest period, as well as the artist’s architectural activity, in an attempt to capture the essence of the œuvre...

Source : Lüdwig Museum

 

János Megyik: The Space of the Image

Marina Abramović: Eight Lessons on Emptiness with a Happy End 02/23/2012 - 04/22/2012

The Műcsarnok/Kunsthalle Budapest presents Marina Abramović’s video installation entitled Eight Lessons on Emptiness with a Happy End in Mélycsarnok, the exhibition hall’s new project gallery established this year.
This work, made in 2008, addresses the topic of violence as it is portrayed in contemporary media. 

Source : Mucsarnok 

 

Marina Abramović: Eight Lessons on Emptiness with a Happy End

MAMCO : Thomas Huber 02/22/2012 - 05/06/2012

Depuis le début des années 1980, l’artiste suisse Thomas Huber développe un travail pictural profondément lié à l’écriture et à la parole. Moins parce que dans ses tableaux des signes sont visibles et des mots, voire des expressions, sont lisibles, que parce que, parallèlementà son activité de peintre, il écrit des textes qu’il prononce, telles des conférences, devant les images qu’il invente. Il retrouve et explore ainsi le lien, consubstantiel à l’histoire de l’art, entre la figure peinte et le texte...

Source : MAMCO (Genève)

 

Thomas Huber "Vous êtes ici "

	"Discours à l'école: une fois réalisés, les tableaux sont montrés, c'est pour cela qu'il sont de tout temps été faits, et montrés, ils deviennent objet du langage. Le mot est lui aussi un lieu, un domaine où les tableaux se déploient." (Thomas Huber) Schwarze Tafel (Vorzeichnung zur Rede in der Schule) . 1983 Lausannen Musée cantonal des Beaux-arts.	"La bibliothèque: La collection de textes et de tableaux rassemblés en un nombre considérable de livres est destinée à l'oeil dont nous venons de parler. Réunis et rangés dans la bibliothèque, ils osnt pour l'oeil le rappel de son talent, ils l'aide à avoir confaince en son don de regarder. La bibliothèque réserve un lieu pour notre rapport aux tableaux. Elle est un refuge pour les tableaux." (Thomas Huber)